There are two problems in painting. One is to find out what painting is and the other is to find out how to make a painting. The first is learning something and the second is making something.

One learns about painting by looking at and imitating other painters. I can’t stress enough how important it is, if you are interested at all in painting, to look and to look a great deal at painting. There is no other way to find out about painting. After looking comes imitating. In my own case it was at first largely a technical immersion. How did Kline put down that color? Brush or knife or both? Why did Guston leave the canvas bare at the edges? Why did H. Frankenthaler use unsized canvas? And so on.

Then, and this was the most dangerous part I began to try to imitate the intellectual and emotional processes of the painters I saw. So that rainy winter days in the city would force me to paint Gandy Brodies as a bright clear day at the shore would invariably lead me to De Staels. I would discover rose madder and add orange to make a Hofmann. Fortunately, one cand stand only so much of this sort of thing. I got tired of other people’s painting and began to make my own paintings. I found, however, that I not only got tired of looking at my own paintings but that I also didn’t like painting them at all. The painterly problems of what to put here and there and how to do it to make it go with what was already there, became more and more difficult and the solutions more and more unsatisfactory. Until finally it became obvious that there had to be a better way. Ler o resto »

A common vice among artists – or rather bad artists – is a certain kind of mental cowardice because of which they refuse to take up any position whatsoever, invoking a misunderstood notion of the freedom of art, or other equally crass commonplaces.
Since they have an extremely vague idea of art the result is generally that they finish up by confusing art with vagueness itself.
It’s therefore necessary to clarify as far as possible what we mean by art, so that we can find a guideline along to work and make judgements.

The work of art has its origin in an inconscious impulse that springs from a collective substrata of universal values common to all men, from which all men draw their gestures, and from which the artist derives the “archai” of organic existence. Every man of his own accord extracts the human element from this base, without realising it, and in an elementary and immediate way. Where the artist is concerned it is a question of the conscious immersion in himself through which, once he has got beyond the individual and contingent level, he can probe deep down to reach the living germ of total humanity. Everything that is humanly communicable is derived from this, and it is through the discovery of the psychich substrata that all men have in common that the relationship of author-work-spectator is made possible. In this way the work of art has the totemic value of living myth, without symbolic or descriptive dispersion: it is a primary and direct expression.

The foundation of the universal value of art are given to us now by psychology. This is the common base that enables art to sink its roots to the origins before man and to discover the primary myths of humanity.

The artist must confront these myths and reduce them, by means of amorphous and confused materials, to clear images. Ler o resto »

É bom lembrar a todos que eu odeio design, logo logo vocês entenderão o motivo pelo qual estou publicando esse texto (que, mais uma vez, não é meu, fazer o que). Com vocês… os desafios do designer. Pffff.

• Quando o projeto é de identidade corporativa, o desafio é escrever uma epopéia com uma palavra só.
• Quando o projeto é de cartaz, o desafio é mostrar só o dedo e sugerir o gigante.
• Quando o projeto é de capa de livro, o desafio é descobrir a abelha-rainha no meio do enxame. (até onde sei, você nunca vai ver a abelha-rainha voando num enxame de abelhas maaaaaas tudo bem)
• Quando o projeto é de livro, o desafio é correr a maratona sem diminuir o ritmo.
• Quando o projeto é de periódico, o desafio é explorar novos caminhos sem perder o rumo.
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Ontem, dia 18, foi inaugurado o Brit Paint Show 2010 na Carmichael Gallery (EUA), uma galeria de arte contemporânea que está expondo, veja só, pintura. Eu sinceramente acho que a pintura vai fazer seu glorioso retorno porque as pessoas estão simplesmente ficando de saco cheio de instalações e arte conceitual e performances bizarras e bla bla bla e cara de nojo.

Espero que o Braziu acompanhe essa tendência, agora com o mundo globalizado não há desculpas para qualquer tendência artística chegar aqui com 20 anos de atraso, como é de praxe.

O legal é que a galeria lançou o catálogo online, com preços e tudo. Eu acho que o arrogante e ignorante comportamento de 90% das pessoas do mundo da arte do Braziu de ignorar solenemente a Internet poderia aprender uma coisa ou outra.

Clique aqui para visualizar o catálogo em .pdf. Favor reparar que eu estava pedindo a ninharia de mil reais em cada trabalho na última exposição, olhem só pra esses preços.

• A arte, hoje, não pode mais ser pensada em termos diacrônicos, pois a própria velocidade de mudança acabou mudando até as formas de produção. O que vemos agora não é mais uma sucessão de “ismos”, escolas ou tendências como há bem pouco tempo, mas uma intervenção sincrônica de eventos artísticos e a-artísticos que explodem precisamente com a idéia linear de tempo, tida tanto pela tradição como pela vanguarda. Pode-se pensar a arte contemporânea como uma formidável bricolagem sincrônica da história (passada, recente e presente) em contradição não-antagônica.

Mail Art de Jim Kaufmann

Paralela e alternativamente aos sistemas oficiais da cultura, surge como “ação anartística” um tipo de fenômeno, a Mail Art ou Arte Postal, crítico ao estatuto de propriedade da arte, ou seja, à cultura como prática econômica, e que propõe a informação artística como processo e não como acumulação. Ler o resto »